自起源于意大利的文艺复兴文化运动之后，欧洲的画坛迎来各种画派、各种主义纷纷登场，各领风骚、蓬勃发展又相互影响彼此冲突的时代。十八世纪中叶，带有鲜明现实主义倾向的新古典主义绘画风格开始在以法国为中心的欧洲国家中走红，逐渐形成一个时间长久影响较大的绘画派别。其实，与巴洛克/洛可可艺术风格的起源相同，最早的新古典主义也是萌芽于建筑与装潢，随之扩展到家具、器皿、服装设计和室内装潢，这些带有工艺美术的领域所遵循的共同原则是在采用新材料和新工艺的同时，简化与改良当时欧洲上流社会盛行的奢华菲靡的洛可可风格，一举恢复古典主义中典雅与端庄的高贵气质。这种新的理念和思想很快就对上层建筑中各领域产生了巨大深远的影响，因而新古典主义也迅速成为引导文学、戏剧、音乐、雕塑、绘画发展的新潮流。从本质上说，新古典主义绘画产生是在叛逆与否定日渐衰落的巴洛克主义绘画和洛可可画派追求浮华享乐艺术的同时，力求恢复古希腊、古罗马、文艺复兴的美学规范，借鉴古典英雄主义的题材与形式，直接描绘与塑造现实生活中的重大事件和重要人物。在艺术形式上，新古典主义更加注重造型的严谨与构图的对称，追求单纯庄重而又不失典雅的艺术风格。在技巧层面上，讲究稳重的色调，注重色彩微妙的冷暖变化以及素描关系的处理运用，强调人物造型的重要性与轮廓的清晰化。在新古典主义画派的一些创作中，有些画家甚至不惜工本采用先行创作裸体模特摹本，然后根据裸体草稿再给人物“穿”上衣服，以求达到对人物造型和人体结构准确的理解与完美的表达。 6park.com
新古典主义画派在欧洲的盛行自1860年开始一直延续到19世纪中叶，前后将近100年的时间主导欧洲艺术的潮流。很多人不知道的是：该风格的建筑流派生命力更强，不但贯穿19和20两个世纪，甚至今天都有它的影子。最近的例子莫过于位于美国首都华盛顿的国家画廊和林肯纪念堂，还有北京天安门广场的那个，都是这种流派框架下的产物。纵观欧洲艺术史，从文艺复兴到今天的照相主义，无论何种艺术流派都是与历史大时代背景变迁不能分割的，新古典主义从产生到消亡伴随的就是法国大革命的背景和整个的拿破仑时代。在这种时代背景下，一种艺术流派能够生存并发扬光大的原因不外乎两个：既符合当时欧洲社会激烈变革的现实需要，又能为较多的艺术家和社会公众所接受。新古典主义从古希腊、古罗马、以及文艺复兴大师身上吸取美学元素，从艺术美感的角度上追求完美，用其独特的艺术价值与观众产生共鸣，奠定了自己在西方艺术中作为最令人瞩目流派的历史地位。但不得不说的是：新古典主义过于僵化的教条和呆板的形象模式，也成为后期被其他流派所攻击批评的诟病，因而在逐渐衰落的过程中与循规蹈矩古板保守的学院派最终合为一体。这里值得专门一说的就是：其实绘画或雕塑的流派之间并无严格界线，所谓的各种流派也都是美术评论鉴赏家为画家和画派赋予的特有文化符号而已，事实上，很多艺术家的画作虽然标签新古典主义风格，作品也具有新古典主义的一些特质，但同时也包含着种种其他画派的美学元素。正如前些天本人在谈及名画《拿破仑视察鼠疫病区》一文时就曾指出的那样，画家格罗虽然是达维德的学生，也属于新古典主义画派，但这幅作品充满着与其相悖的浪漫主义风格。昨天大家热议路易十六的妻子玛丽·安托瓦内特王后，她的御用美女画师勒布伦虽然也归类于新古典主义画派，但她的作品中强烈的色彩对比更容易让人联想到奔放夸张的巴洛克艺术风格。安格尔虽然是新古典主义的大师，但很多时候也是学院派的代表人物。 6park.com
除了历史的大背景，任何一个画派的形成与发展都离不开一个或数个著名画家作为领军人物。尽管美术评论界与史学界大咖们在不同时期因人而异得出不同的结论，但在近100年的历史跨度中，新古典主义画派公认的两位领军人物分别是：前期的雅克·达维德（Jacques-Louis David）与后期的让·奥古斯特·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres）。 6park.com
咱们先说达维德。法国画家雅克·达维德（1748-1825），国内也有人将他的名字翻译为雅克·大卫，可以说是新古典主义画派中无可争议的开山鼻祖和代表人物，也曾是法国乃至欧洲画坛上最具有影响力的画家和美术教育家（19世纪初期法国超过一半的著名画家均是出自达维德的画室）。不过，此公除了绘画正业以外，还热衷于政治和革命（自诩革命画家），曾是法国大革命激进组织雅各宾派的积极分子，颇受罗伯斯庇尔、丹东、马拉等人的青睐，甚至在处死玛丽王后的判决书上也能找到这位画家的签名。1799年拿破仑登台，达维德随即成为拿破仑征服世界的狂热崇拜者，并为拿破仑担当首席御用画师的职务，用手中的画笔与调色板上的油彩为拿破仑的南征北战竭尽涂脂抹粉歌功颂德之能事，与中国一些画家非常相似——例如把《开国大典》改来改去的那位。所以达维德在世之时虽然风光无限，但死后却倍受后人的批评与责难，成为法国艺术史上以为政治不甚清白颇有热议的人物。 6park.com
达维德有很多著名作品。如《荷拉斯兄弟宣誓》、《马拉之死》、《拿破仑翻越阿尔卑斯山》、但最值得一说的就是卢浮宫中的那幅馆藏珍品《约瑟芬的加冕仪式》。20多年前年前本人首次朝拜卢浮宫时，虽然以前看过不少这幅画的照片，也有一定的心理准备，但仍被这幅占据整个展厅一面墙的巨作（10 x 6米）和其响亮的色彩所震撼。该画构图宏大，场面壮观，画中据说包含100多个人物：罗马教皇庇护7世、红衣主教、各国政要、大臣、将军、贵族、拿破仑的母亲、哥哥、弟弟、妹妹，以及拿破仑的侄子—查尔斯·波拿巴 （画面上红衣男童）。记得有人曾在讲课中误认该男童就是后在雾月政变的拿破仑三世—路易·波拿巴，这显然是错误的。此人虽是拿破仑的侄子不假，也是约瑟芬的外孙，但他不过是路易·波拿巴的那位5岁便夭折的大哥而已。由于画面人物太多，达维德只能集中精力绘制主要人物，其他人物皆由学生帮忙，但是值得一说的是：画家人格上有缺陷，但在艺术创作上一丝不苟，几乎所有的人物都有素描稿与油画草稿，有的甚至是请到了本人做为模特进行绘制。

由于原作画面巨大，所以很难在网络中找到反映良好整体效果的照片，大家只能将就着看一看，再听我说一说吧。这幅画所描述的场景是1804年拿破仑在巴黎圣母院为妻子约瑟芬加冕法兰西第一帝国皇后。其实当时的加冕过程是象征“君权神授”的罗马教皇庇护7世为拿破仑加冕皇帝，然后再由拿破仑为妻子加冕皇后。但由于拿破仑在加冕皇帝仪式的前半部分对教皇粗鲁无礼，达维德为了避免拿破仑这段对“君权神授”的狂妄蔑视，费尽心思地构思选择已戴上皇冠的拿破仑为皇后加冕的部分来作为画的主题，以达到既不让罗马教廷感到过分难堪，同时又能达到削弱社会各界对拿破仑自负高傲形象的负面评论效果。最终，这幅经典作品在卢浮宫陈列时正式的题目就变成《约瑟芬的加冕仪式》，而不是民间通常所误传的“拿破仑加冕仪式”。 6park.com
国内权威有评说这幅作品是当时拿破仑称帝加冕场面的忠实记录，但本人认为这种说法并不严谨。首先需要知道的是，这幅巨作并非达维德的即兴发挥创作，而是根据拿破仑个人要求而成的私人定制。无论是人物、背景、或者道具，都经过达维德精心地艺术加工处理，例如矮小瘦弱的拿破仑在人群中身材变得格外高大，时年40余岁人老珠黄且已成为外祖母的约瑟芬在画面中宛如充满生命活力的处女。最可笑的莫过于根据政治需要，任意在画面上增添删减各类人物（类似中国油画《开国大典》）：拿破仑的母亲萊蒂希亚夫人因厌恶儿子年龄悬殊的”姐弟恋“而拒绝出席加冕仪式，但达维德竟然把远在罗马的老太太硬塞进巴黎圣母院，并让她在仪式中正襟危坐一本正经地为儿子儿媳祝福。除了老太太，硬被塞进画面的还有其他一些人物（记不太清），但其中肯定包括因斗气而拒绝出席的拿破仑之兄约瑟夫·波拿巴。有了老太太与长兄的闪亮登场，这场加冕仪式便与拿破仑皇族家庭的和谐兴旺有机的结合起来了。此画在长达两年的绘制过程中，达维德不时地秉承拿破仑的旨意对画面做出改动，不断地协调真实与艺术效果之间的尺度，直到拿破仑最后感到完全满意为止。 6park.com
说完达维德，接着说下一位代表人物—法国画家安格尔（亦称盎格尔）。安格尔（1780-1867）比达维德年轻30余岁，属于达维德众多门徒中比较杰出的一个，最后接过师傅的衣钵，成为新古典主义画派的第二代传人。与达维德的性格不同，安格尔厌恶政治，远离官场，毕生只在人物肖像画方面默默地耕耘奉献。他恪守新古典主义传统框框，偶尔也染指浪漫主义的手法，在人物肖像创作，特别是女子裸体的表现上，体现了他对古典美感追求与对典雅崇尚的美学品格。安格尔曾绘制了许多女子裸体，大胆泼辣地表现女性裸体的美，追求女体丰满肉感的美学元素。安格尔笔下描绘的女性多数不是身材苗条的处女，更不是如今风靡华夏大地弱不禁风的骨感，而是具有显著熟女特征，通过对脖颈、脊背、腰部的细腻刻画，表现理想中的一种女性柔美。安格尔裸女代表作之一是《大宫女》，现存巴黎卢浮宫，画中的女子是一位奥斯曼帝国后宫中带有东方气质的土耳其宫女，那似诉柔肠的眼眸和风情万种的表情、圆润丰腴的臀部和诱人开放的丰满肉体，与头巾、扇子、大烟枪、构成一曲几近完美的来自东方的凝固浪漫交响曲。 6park.com

有心的读者也许会注意到，《大宫女》中的女子腰部有点超长别扭，完全不符合艺用人体解剖学告知我们的人体正常比例。正常情况下人类的脊椎共有23-24节组成，而这位宫女的脊椎则至少26-27节，这是低级错误吗？今天我们说安格尔这种大师级的人物一般情况下是不会犯这种错误的（当然拉斐尔就犯过，不过天才即便犯错依然是天才），有人解释说这是安格尔故意做出的夸张处理，不惜违背基本的人体解剖概念，旨在表现突出宫女腰部柔和的曲线美。通常安格尔以线条工整，轮廓准确，色彩明晰，构图严谨等等特点而著称于世，据说，当年这幅画送到巴黎沙龙展出时，不但受到评论家的尖锐批评，而且观众们也对严肃的安格尔竟然会画出如此怪异的作品感到异常的惊诧与不解。 6park.com
《泉》是安格尔晚年创作的另一幅女子裸体油画，现藏于巴黎的奧赛博物馆。不同于安格尔其他裸女画，《泉》中表现的是一位少女，她全裸伫立，手捧水罐。朝下的罐口流淌着清水。少女的身体丰满细润，面容悠闲端庄，处处散发着青春的气息和生命的活力。大概安格尔做梦都没有想到的是：150年后这幅唯美的少女裸体在中国国家电视台做介绍的时候，女孩子的三点被打上了马赛克。 6park.com

其实，安格尔最拿手的是他的素描以及优美流利的线条，虽说安格尔师承达维德，不如说出自拉斐尔，这位文艺复兴的三杰之一是安格尔毕生最崇拜的偶像。据说，他对拉斐尔遗留的素描速写中流利的线条进行了近乎发狂般的研习揣摩，“线条就是素描，线条就是一切” 于是成为安格尔的名言，也是学院派最经典的警句之一。。扯得有点远了，就先到此为止吧。
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