说到绘画，经常听到人说看不懂画。我倒是认为，对于画，并不需要刻意去”懂”，而是去看和感觉。
艺术之所以成为艺术，就因为是有大众的喜欢。为了让大众喜欢，每个画家都想着用各种方法让大家看着觉得画好看，有感觉。
说起绘画，还经常会跟随着一些比如说印象派，立体派，前拉斐尔派，学院派，新古典主义等让人望而却步的分类，
其实简单的说就是”画什么内容，怎么去画”的一些分类。不认为有必要去弄清这些分类（真的很多），就跟很多人喜欢四大名著，但没必要去像红学家那样去弄懂著作的所有细节一样。

当然，相信对于下面这样的画，大多数人的第一想法都是”这也叫画？”，但因为心怀畏惧，说出口的时候都会变成”我看不懂”。


为了能让大家更能用平常心来看画，今天来就简单(真的很简)说说画是怎么变成这个模样的。
1. 画，在远古时代是作为笔记用，画在墙上，这时候并没有什么艺术手段，而是简单叙事
（拉斯科洞窟壁画）

  

2。到了后来，传播神话，各种传说的时候，因为还是会认字的人少，会看画的人多，就画出了各种神话的画来便于传播
（庞贝壁画上的美惠三女神。）


3。到了中世纪，宗教的影响最大，这个时期基本绘画都是传教用的，画的内容也都是宗教内容。这时，画画好的人逐步名气大起来，被各个教堂请去作画，更牛的人甚至能从教皇那里拿到直接分配下来的作画任务（这样的人也就逐步被称作了艺术家，但当时他们自己并不是为了艺术创作的角度来画画的）
（皮萨乃罗的圣母子和鹌鹑）
 

4。绘画＝宗教的中世纪持续了近1000年。。，终于有人开始对模板似的宗教话题画腻了。而且发现中世纪以前，除了宗教话题之外，还有很多其他内容的画嘛。于是就开始学以前那样画一些其他内容的画，并且从人的表情等的细节上加上自己的想法。绘画进入了文艺复兴时代。画圣人的时候也开始逐步开始用画普通人的手法
（拉斐尔 椅中圣母子。）


（提香的圣母子和白兔）


米开朗基罗给西斯廷教堂画的最后审判里，把教皇和自己（那个人皮）也画了进去。


5。文艺复兴开始，绘画内容逐步自由化之后，绘画的内容就开始多种多样起来。进入巴洛克时期，开始用夸张的手法突出画的主题。包括明暗，动态，色彩上的夸张。
（卡拉瓦乔的大卫。 人头是卡拉瓦乔自己的自画像，大卫相信大家都能认出来，就是卡拉瓦乔喜欢的那个男模特）

（维梅尔的这幅戴珍珠耳环的少女，应该是这个时期最出名的画之一了）


7。 随着画越来越成为娱乐，画的内容也逐步轻松，愉快起来，让人看到就心情变好的风格。这时候就是洛可可的风格到来
（弗拉戈纳德的秋千）


（布歇的出浴迪安娜）


8.　时间长了，画家的头抬的越来越高，对画什么才好的争议也就越来越大，慢慢就基本分成了画理想才好的浪漫主义，和画现实才好的写实主义。当然因为画的内容逐步由上级或者客户指定，变成了自己去想能让大众喜欢的画的内容。为了能赢得粉丝，这时候的画家都有一手画裸女美女的绝技。（所以，看到很多裸女，美女的画，不用去想这是有多深的艺术内涵，只是大众喜欢看，画家也喜欢画的题材而已，这方面的审美现从古至今都一样）。这个时期的画家，还是迎合看画的人的眼光的。
（戈雅，浪漫派，裸体马哈） 衣服越画越少了


浪漫主义越发展越浪漫，而且这个时期人们开始热衷于研究什么叫做美。就有些艺术学院开始定义美，还有画的方法，画内容追求。这样就有了追求维美的学院派。美术 （Fine Arts）一词，也是这个时期诞生的。
（布格罗，学院派，维纳斯的诞生）


相反，写实派画的不是理想，喜欢画现实生活。
（库尔贝，写实派，碎石工人）


9。到了后来，又出现了新思维，认为画画就不应该在屋子里找模特摆拍，而是应该直接去外面的世界里画最真实的一面。这样就得不打底稿直接画，而且对画画的速度上也有了要求（现实情景都是很快就消失），这样的画法造成细节上大打折扣，但是在光影处理，颜色上更能体现出当时那一刻的感觉，画的题材也是扩大到了生活中的任何一刻。印象派来临了。 印象派的诞生，让画画的题材扩展到了生活上的任何一个细节，画家眼里的任何一个瞬间。这样造成的结果就是，画家，不再为了迎合看画的人的眼光去作画。画出来之后，到底大家喜欢不喜欢看，就只能靠运气了。有雷诺阿这样的画美女裸女一绝，活着的时候就很受大家欢迎，做到了幸福一生的画家，也有活着的时候不被人所知的梵高，高更。
（莫奈，日出印象）


（德加的舞女），其实很多他的画，为了抓住当时那一个动感，都是用摄影技术拍下来后再作画了。


印象派这个话题太大了，这里不多说了

9.1.　同时期，还有个象征主义风格，和字面意思一样，这些画家喜欢用画，来暗示，表达一些自己的思维。（和印象派一样，不再为了迎合看客的眼光来作画）
（克林姆特 达娜厄)  
勇娃发过提香的达娜厄，可以看出象征主义的画法很不同了。达娜厄是各个画家都喜欢画的女性题材之一（金钱加美女，到现在也是常谈论的话题），但都画的很隐晦。到了像征派，这层意思就很赤裸的表达了出来（这个画里的金色可都是真金画的，克林姆特是土豪）



10. 画的思维发展越演越快，又一个划时代的大牛出现了-塞尚。 到塞尚之前，虽然画的题材，颜色，画的技法都有不同，但也都有些相同的，被认为是作画基本功的内容，比如说线条表达，透视原理这些。塞尚，把这些都打破了。画画不再讲究线条的限制，而且也不讲究西方绘画一直用的单点透视手法（就是人眼正常看到的现实的透视原理）。塞尚认为画不该受到线条限制，而要靠颜色表达, 透视也这里也同样，他认为画不需要受到和人眼看到的世界一样的限制，而是要靠画面之间的对比。简单的说，从塞尚开始认为画不是复制现实，而是为了表现。
（塞尚，红背心少年） 明显画中帅哥的身体比例不协调。因为就是，没有按照正常透视法来作画


不要线条，不用单点透视原理。。。听起来是不是很熟悉？ 其实中国画一直就是这样的。但是这些内容到了西方的绘画界，却是引起了巨大反响的一个变革。
对比一下，八大山人画的花瓶。（八大山人要比赛尚早了近200年）


塞尚画的花瓶，


11。塞尚引起的风暴，不只是不要线条，不要透视，学习中国画这些具体的作画方法，重要的是，”画不用为了复制现实，而是为了自我表现” 这样的一个重大的思维变革。从塞尚开始的画家，就逐步不遵从以前的画法画题，而是越来越想找出自己独特的表现方式。因为完全没有了束缚，各种各样的画派也就都冒了出来。
（马蒂斯，野兽派，不仅放弃了线条透视，连颜色，明暗对比的传统画法也都丢弃）


（达利，超现实派，讲究反正画就是视觉刺激，怎么让大家眼神受到刺激就怎么画）


（毕加索后期 立体派？ 毕加索也是划时代的人，不能用一派来概括）


早期毕加索玫瑰时期的画，还不是这样的


12。塞尚的思想，开始让画家不仅不再考虑大众喜欢看什么，也开始不考虑自己到底想画什么。自我表现，逐步就发展到了一种自我发泄，发泄完了就是作品。画也从视觉刺激，变成了一种情绪，情感的传递工具。当然，至于谁能看懂谁能欣赏，那就完全靠缘分。于是，就逐步出现了让大部分人闻而却步的抽象派。

（蒙得里安 抽象派 。这画就叫红黄蓝，因为画家自己都不知道想画啥，当然也没法给画起名字）


画没有名字，就更不用去弄懂画家到底想要画啥，
只是作为一种感觉，有缘就有感觉，无缘就看别的，总会有一个看上眼的画

（波洛克的画。）


这样的画，不是体现现实，而是画家想把一种情绪，情感的传递给看画的人。只要你看到这幅画的时候隐隐约约的感觉心情，情绪受到了影响，那么恭喜你，你看懂了这幅画

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